也许是怕受到更大的惩罚，格吕内瓦尔德逃到了法兰克福。在此期间，画家曾接受委托为美因河畔的磨坊设计图纸。不久，工作未完，他便匆匆离开法兰克福，于1527年到达哈雷。据传，画家匆匆离去的原因是为躲避已经传到法兰克福的瘟疫。在哈雷，格吕内瓦尔德住在丝绣工汉斯？普洛克家里。1528年9月，画家离开人世。大师遗留下来的“财物”使人看到了他晚年生活的清苦：一些家庭用具、一些绘画工具、书、几枚戒指和几枚硬币。
3．“蓝色骑士”奥古斯特？马克。
奥古斯特？马克，1887年1月3日生于梅舍德，1914年，年仅26岁就在一战中阵亡。生前，他始终对波恩怀有一种特殊的感激之情。在那里，他拥有第一间也是唯一的一间工作室，莱茵河及七山峰的景色又给了他的创作以无尽的灵感。1907～1908年，他曾多次去巴黎作考察旅行，理所当然地受到了法国印象主义绘画艺术的冲击。尽管如此，在写给未婚妻的信中，他仍对波恩满怀激情：“我想，我很快就再也看不到我每天在头脑里画的波恩的画了，但它们将来会更美。”
在巴黎，马奈（1832～1883年，法国19世纪重要画家）给他的印象最深，其次是德加（1834～1917年，法国表现人物动态的绘画大师）。德加的彩色粉笔画对他来说是这样的清新、纯朴，使他大开眼界、耳目一新。他非常激动，也尝试使用纯色，并深入细致地研究纯绘画问题。同时，他也努力探求欧洲绘画精神及绘画传统。
1909年，他与伊丽莎白？格哈德的结合是这段新生活开始时的一件大事。他的艺术创作从这时开始有了前所未有的提高与深化，在他早逝前仅仅约5年的这段时间里创作出了大量题材广泛、内涵丰富的高水平作品。
1909～1910年，奥古斯特？马克住在上巴伐利亚的特格尔恩湖。仅在这里他就创作了200幅画，其中大部分是风景、静物、人像及人体素描。另外，他还为自己年轻的妻子画了许多肖像。在这里，他懂得了究竟为什么而创作；此时，他在创作时已经能够利用某种他在1907年尝试纯色绘画时所感受到的东西。但他仍保留着自己的特点，他先从题材出发，在绘画的过程中才开始考虑艺术问题。在早期印象派画法的基础上，一种集中表现事物形成、强调色彩反差的风格产生了。
1910年，他在慕尼黑看了画家弗兰茨？马尔克（1880～1916年）的素描及石版画，并主动拜访了马尔克。尽管双方产生了深厚的友谊，但这种友谊并没有对奥古斯特？马克的艺术创作产生直接影响。然而，马克却从弗兰茨？马尔克的纲领性思想中得到启发，成了一种新的艺术趣味的先驱。他回到波恩，在那里找到了莱茵艺术生命权威性循环的入口，并最终于1911年与弗兰茨？马尔克和康定斯基（1866～1944年）一道参加了艺术期刊《蓝骑士》的编辑工作，并组织“蓝色骑士社”。他们用“蓝色骑士”之名举办了一个展览，展出了马克的许多绘画作品。这个画展今天仍被视为德国现代艺术最早、最重要的画展之一。这一个时期绘画领域出现了两个大的流派：立体画派与抽象画派。早期的抽象艺术有很多形式，然而更多的却是通过一般方式的暗示与现实相结合。立体派画家放弃了透视画法，却不放弃对空间的描绘。与“蓝色骑士社”其他艺术家之间的争论使马克搞清了绘画对他来说意味着什么：它应该是画家对可见的外部世界印象的重塑。
对马克自身的艺术发展来说，1912年在科隆由他参与组织的特别联合画展具有特别的意义。这一画展，首次在德国介绍了自印象主义以来莱茵地区乃至整个欧洲画坛的先驱。马克有五幅作品参展，展览期间，他自己很少离开展览大厅。人们从他的作品中清楚地看到他所受到的法国立体主义画派的影响。在处理画面立体感问题上，在经过了很长一段时间的探索之后，他从中发现了一个因素，后来他把这个因素称之为“色彩的立体画能源”。这一因素使他能在受平面制约的纯绘画的进一步发展中将自然的造型及空间价值吸收到自己的绘画中，因而迈出了可能是形成他个人绘画风格的最关键一步。在这次特别联合画展期间，马克结识了法国画家罗伯特？德洛内（1885～1941年），并接触到了未来主义。
在毕加索（1881～1973年，西班牙艺术大师）与布拉克（1882～1967年，法国立体主义画派代表之一）的分析结构体系之后，德洛内发展了一种由更有节奏和力度的绘画结构所确定的立方主义。它的那种更生动、在外形塑造上却又更简洁、更清晰的方式特别适合于马克。在德洛内的影响下，马克的绘画形成了一种近乎棱柱形的结构，这种结构使色彩在多层破碎的平面上发出耀眼的亮光。未来派画家们以同样的方式在处理空间与时间问题上努力寻求一种外形上的等效。马克曾这样写到：“现代艺术回避这种思想，更回避毕加索。”从站在橱窗前的妇女们那种常常改变主意的情形，马克想到了那种时间与空间的彼此分离和相互融合的可能性。他的绘画题材不受任何限制，总是由自己在日常生活中接触到的人或事物所决定。1913年他写道：
“所有这些东西，立体主义、未来主义、印象主义、抽象主义绘画等，都只是某种变化的名称，这种变化将会形成或者正在形成我们的绘画思想。未来主义艺术上的可能性被如此地哲学化，其实是可以十分简单地表现出来的。但空间、平面与时间却是人们不该加以联系的不同的东西，它们的名称永远存在。别人或许可以把它们联系起来，但我却不能。时间对于观察一幅画起着重要的作用。一幅画将在它的形成过程中被色彩、线条和点所构成的和谐之网所覆盖，这个网在它的最终形式中唤起活生生的运动的全部。未来主义画家画出了这种运动。”
马克最终成了莱茵印象主义画派的代表人物。1913年，马克曾与家人一起到瑞士住了8个月，这期间，色彩仍然是他最有力的创造手段，并将立体主义结构坚决地放在了一边。创作的更大动力，来自他1914年与莫依莱特和克利结伴到突尼斯的旅行。旅行中产生的38幅水彩画和许多素描使马克继续走向成熟，画面上明亮、单纯的色彩令人难忘。
4．享誉世界的女版画家珂勒惠支。
珂勒惠支是德国女版画家、雕刻家，1867年出生于东普鲁士的格尼斯堡。她自幼酷爱艺术，1885年进入柏林女子绘画学校学画，1888年赴慕尼黑深造，19世纪90年代开始创作活动。她生长在一个具有民主主义思想的家庭中，其祖父、父亲、外祖父皆同情革命；其兄康拉特是社会主义者，担任过进步报纸的编辑；其夫卡尔是位医生，专在工人区开业治病。因而，她与工人和社会下层民众有一种天然的情感联系。
她一生中创作了1600多件作品，包括她的铜版画、木刻、石版画、雕塑、自画像等。
珂勒惠支19世纪末步入画坛，受到自然主义、表现主义、现实主义等多种创作流派的影响。其早期作品《织工的反抗》就表明了她从表现主义向现实主义的转变。霍普特曼的剧本《织工》演出之后，剧中所表现的饥饿、困苦、斗争、血腥镇压等场面激励了她，于是从1893年起，她用了5年时间来构思和创作《织工的反抗》组画。组画由三幅石版画和三幅铜版画构成：包括《苦难》、《死亡》、《商议》、《织工队伍》、《突击》、《结局》6幅。其深刻的思想内容和极富表现力的画面，使她在德累斯顿1899年展会上获得金质奖章。其中第一幅《苦难》与第二幅《死亡》色彩深暗，在技艺上具有表现主义的创作特征。
在魏玛时期，珂勒惠支最重要的创作是《战争》组画。《战争》组画开始于1920年，完成于1923年，由7幅木版画组成。其中第一幅《牺牲》和第六幅《母亲》在画家的笔下抒发了母亲对儿子牺牲后无言的哀痛、眷恋和抚爱。整套组画表达了画家的反战思想，这一思想也反映在同期创作的版画《幸存者》、《永远不要战争》中。画家创作的版画《面色》、《德国儿童在饥饿中》、《游行示威》等都真实地再现了魏玛时期的社会现实问题。进入20世纪30年代以后，纳粹党复兴并夺取政权，她怀着深沉的忧虑创作了《死亡》。这是一部由8幅反战画构成的版画组画，酝酿于1927年，完成于1934年，历时7年多。这部作品是对过去战争带来的创伤和悲痛地控诉，也是对未来法西斯主义可能后果的预言。
1933年，希特勒把珂勒惠支赶出普鲁士艺术学院，并禁止展出她的作品。1943年，她被迫迁居德累斯顿附近的潘里兹堡，直到1945年9月在那里逝世。综观她一生的艺术实践是脱胎于表现主义走上现实主义的。其作品内容既有左拉的自然主义、又有文学现实主义的痕迹。耐人寻味的是，她的全部作品所反映的几乎是一个字：“苦”——生活之苦、战争之苦、工人之苦、母亲之苦。它诉说着艺术家的人生经历，也显示出其艺术作品的特点。正是这些有力的扣人心弦的痛苦情状和心理体验，使她成为德国伟大的版画艺术家。
（第五节） 深沉静穆的德国建筑
德国历史上长期诸侯国林立、宗教色彩浓厚。不少城市的内城或市郊都留下了历代诸侯修建的市政厅、古堡、宫殿和教堂。这些重要的古代建筑保存至今的，都已成为旅游者到德国必看的名胜古迹。从建筑艺术风格来看，根据不同的建筑时代，通常划分为罗马式、哥特式、文艺复兴式、巴洛克式、洛可可式和古典主义风格。此外还有中世纪民众普遍修建居住的半木结构房屋。
想了解德国建筑，我们要像剥洋葱一般，一层层地“剥开”洋葱外皮，才能看到内核。德意志的民族特点决定了德国建筑的总体风格：理性主义、思辨精神、讲求秩序、严肃沉稳、不尚浮夸。这已成为德意志民族的一部分，体现了大森林般的深沉和内敛气质，使德国的建筑在总体上充满了理性主义色彩。
几何形体的运用，单纯的色彩对比，强烈的透视感，简约的外立面大气而洗练，这便是德国建筑留给我们的总体印象。民居的建筑底层采用砖石，楼层采用木构架，构件外露，安排得疏密有致，装饰效果很强；屋顶特别陡，里面有阁楼，开着老虎窗；圆形或八角的楼梯间凸出在外，上面有高高的尖顶，也有楼层局部悬挂冠至尖顶的样式。临街的建筑常以山墙为正面，之间彼此紧靠，形成聚居式的街立面。跌檐式山墙上有几层窗子，安有尖塔和花饰，房顶上有好几层阁楼。建筑外部以棕红、赭石为主的墙体配以白色相间的线条，构成方格立面，色彩鲜艳，与以单一的灰黄色石头为墙体主色调、崇尚各种装饰墙雕的其他欧陆风格的建筑有明显的不同。
在德国，不能不提的是教堂建筑。教堂同各地的建筑一样，存在着明显的地区差异，在南德巴伐利亚地区，处处可见的是清新明快的巴洛克式建筑；而在北德则多是庄重严谨的哥特式建筑。各地的建筑是与其他地区的文化传统密不可分的，但单就古堡教堂的建筑风格而言，除地区差异外，还有一个重要的因素，即建筑的时间差别，因为在欧洲历史发展中，各个时期的建筑风格有着明显的不同，可分为罗曼式的、哥特式的、巴洛克式的、文艺复兴时期的、古典主义的各种风格。
罗曼式，又叫罗马式，是9～13世纪初的建筑风格，因采用古罗马式的券、拱而得名。德国沃尔姆斯主教堂是罗曼式的代表作。其墙体巨大而厚实，墙面用连列小券，门轴洞口用同心多层小圆券，以减少沉重感。西面有一二座钟楼，拉丁十字交点以及横厅上也有钟楼；中厅的立柱有韵律地交替布置，窗口窄小，在较大的空间营造神秘的氛围。朴素的中厅与华丽的圣坛形成对比，侧廊较大的空间变化打破了古典建筑的均衡感。
哥特式，13～16世纪流行的建筑风格，最先在法国出现，随后传入德国并发扬光大。德国最早的教堂——科隆主教堂是这一风格的代表作。砖石建造，陡峭的双坡屋顶，内有阁楼，甚至多层。广泛运用线条轻快的尖拱券，峭拔的尖塔，轻盈剔透的飞扶壁以及彩色玻璃镶嵌的修长花窗。科隆大教堂外观巍峨挺拔，内部空间高旷，造成一种向上升华、天国崇高的感觉。
巴洛克式，这一艺术风格起源于意大利。德国建筑师把意大利巴洛克同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上的一朵奇葩。德国班贝格十四圣徒朝圣教堂是巴洛克的代表作。其外观简洁雅致，造型柔和，运用曲线曲面，追求动态，内部采用华丽的装饰和雕刻，而外墙平坦，与自然环境相协调。内外形成鲜明的对比。
建于不同时代的教堂，必然带有明显的时代特色。比如弗赖堡大教堂，建于1340年，是哥特时期（1200～1500年）欧洲最精湛、最有魅力的建筑，它与科隆大教堂同属典型的哥特式建筑风格。这种建筑整体直线向上，塔尖直指苍穹，给人一种要摆脱尘世一切重负的感觉。罗曼式的建筑风格是外表轮廓分明，门窗和拱廊采用半圆形、桶形或交叉拱顶，给人一种厚实、坚固、稳重的感觉。塔高96.75米的施佩耶尔的纪念教堂就是德国最大的罗曼式建筑。作为巴洛克和洛可可式建筑的典型代表还有班茨、埃塔尔修道院的教堂及施泰因嘉顿附近的维斯教堂。这种建筑外表华丽、线条曲折多变，整体建筑给人一种气势雄伟、生机勃勃的感觉。普鲁士国王弗里德里希二世在波茨坦建造的“无忧宫”可称得上是洛可可式建筑的一颗明珠。
德国到处都是森林河流，在保护和利用生态资源的同时，他们更尊重生态环境。不论我们游历于古典建筑还是现代建筑，都不难发现建筑师是从宏观的角度把握规划，使建筑本身体现了“冥想的空间”和“静思之场所”。它迫使参观者进行思考，超越了文学、历史和文化本身，从而感受思考的理性乐趣和感官的体验。同时也妥善地解决了新老建筑之间距离上的冲突，使之既与周围环境相协调，又不失个性。
德国的建筑按各种需求和功能，以理性分析和逻辑秩序进行设计建造。简洁的几何线、形，体块的对比，光感与空间恰当的把握，还有厚重威严的墙体，皆表现出严格的逻辑和清晰的观念。然而，色彩的丰富多样以及细节的处理，让简约的造型与环境互动对话，体现了一种深沉、内向、静穆、高贵而又单纯的情感。
